La nueva obra maestra de Pixar y el drama con el que Anthony Hopkins quiere ganar el Óscar

Madrid

Por primera vez una película de Pixar se verá directamente en plataformas. ‘Soul’ es el estreno de las Navidades en Disney Plus, una cinta que habla del jazz, la muerte y el mundo inmaterial. Más cine en streaming, Netflix produce la nueva película de George Clooney como director y actor. ‘Cielo de medianoche’ es una distopía que habla del cambio climático y la paternidad. Es una de las interpretaciones del año, la de Anthony Hopkins en ‘El padre’, un drama británico sobre la vejez. En Sucedió una Noche, vamos a celebrar los 125 años de historia del cine, cuando los hermanos Lumiérre hicieron la primera proyección ante el público de una película. En televisión hacemos un balance de la evolución de las series españolas, este ha sido el gran año de la ficción, pero el caldo de cultivo hay que buscarlo un poco antes.

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Soul (Pete Docter y Kemp Powers)

El gran estreno de Pixar llega en Navidad, pero no a los cines, como suele ser lo habitual en una película de estas características, sino directamente a la plataforma de su compañía, Disney Plus. "Hicimos esta película para que se viera en la gran pantalla. Durante la pandemia, de hecho, tuvimos que terminar la película en casa, pero algunos de nosotros al final, tuvimos incluso permiso para ir a trabajar y poder acabar con la idea de que se estrenara en cines, porque esperábamos que la gente la viera así", reconoce Pete Docter, director de película y director creativo de Pixar Estudios en una entrevista en la Cadena SER.

"Somos afortunados de tener la opción de estrenar en Disney Plus, para que la gente pueda ver la película al menos. Y sí, claro, yo espero que en un futuro se pueda ver en la película, para llegar a algunos detalles que están en la película y que se ven en un cine", añadía Docter, quien es además, creador de títulos tan importantes para la marca como Up, Monsters o Del revés... precisamente Soul tiene mucho de esta última película, que da un salto más de madurez y se aleja del mundo más infantil. "Una de las mejores cosas de Pixar es que no subestima a los niños. Es entretenimiento hecho por adultos que creen que los niños no se merecen que el contenido que les demos sea estúpido", afirmaba Kemp Powers, codirector de la película.

Es la primera cinta de Pixar protagonizada por un personaje negro, un profesor de música que sueña con triunfar en el jazz, y justo cuando está a punto de tener la gran actuación de su vida, sufre un accidente en las cales de Nueva York y muere. En el más atrás, que es una especie de purgatorio donde las almas esperan lograr pasar al más allá, conoce a un alma en pena, con la que tratará de recuperar su vida, volviendo a la tierra para poder tocar en ese concierto que tanto desea... y ahí empiezan los enredos.

Soul habla de la muerte, de la vida, de las despedidas y de cómo la obsesión por el éxito, el dinero y los desvelos diarios no vale de nada; simplemente disfrutar del momento, los amigos y la familia... algo que conecta con este momento que vivimos con el coronavirus haciéndonos replantarnos toda una forma de vida.

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"Es curioso, porque nosotros queríamos hacer una película sobre la vida. Investigamos y pusimos en común algunas ideas de cómo vivir bien, qué cosas importan en la vida, cómo deberíamos vivir. Creo que me pilló en medio de una crisis de mediana edad, planteándome cosas como en qué estaba haciendo con mi vida, en qué quería gastar el tiempo. Así que utilizamos la discusión entre los dos personajes para explorar eso, en convencerse uno al otro de aprender qué cosas son las necesarias en una vida. La gente dice que ahora la película tiene un significado muy especial, pero lo cierto es que concebimos ya esta idea hace tiempo, cuando el mundo era un lugar muy diferente", explica Docter.

Tina Fey y Jamie Foxx ponen las voces a los dos protagonistas, también escuchamos a la legendaria actriz Angela Bassett. Soul tiene, además, una espectacular banda sonora firmada a tresbandas con Jonathan Batiste, Trent Reznor, Atticus Ross. En lo visual, hay una mezcla entre el prodigio técnico que siempre ha sido marca de la compañía, y la animación tradicional de toda la vida. Tonos fríos de ese "más atrás", contrastan con los colores y el realismo de las escenas neoyorquinas. Y de fondo, la búsqueda de los sueños, de no renunciar a ellos, pero tampoco a la vida real.

Los Croods: una nueva era (Joel Crawford)

Dreamworks vuelve en Navidad con la secuela de una película que en 2013 ya se convirtió en todo un éxito en taquilla. Ahora, después de la difícil situación que han vivido los cines por la pandemia, se espera que estos cavernícolas vuelvan a atraer a las familias a las salas. En esta ocasión, los Croods no estarán solos, sino que tendrán que convivir con los Masmejor, una familia muy distinta a ellos con la que aprenderán que ser diferente es una virtud. Al mensaje de unidad familiar que ya se lleva mostrando desde la primera entrega, en 'Los Croods: Una nueva era' se suma un mensaje altamente feminista y otro que recalca la importancia de preservar el medioambiente, por lo que además de ser un reclamo para los más pequeños, que se divertirán con las aventuras de los personajes y los colores tan vivos y característicos de este tipo de animación, también es una película de la que los más adultos sacarán una experiencia más que positiva. 

El padre (Florian Zeller)

El cine se ha acercado en los últimos años al problema de la demencia desde diferentes ópticas. Lo hizo Haneke con su duro retrato de la vejez en 'Amour', Alexander Payne lo miró desde la tragicomedia en 'Nebraska' y Julianne Moore lo experimentó de manera más luminosa en 'Siempre Alice'. En 'El Padre', el francés Florian Zeller no hace ninguna concesión en forma y fondo a partir de la historia de un padre y una hija. "Esta película empieza en el momento en el que paradójicamente nos convertimos en los padres de nuestros propios padres", decía en el pasado Festival de San Sebastián.

El dramaturgo adapta su propia obra de teatro, representada en numerosos países, en su primera incursión en el cine. Criado con su abuela, a los 15 años sufrió de cerca los efectos de la enfermedad cuando ella fue diagnosticada de Alzheimer. "La obra se representó en Francia y después en muchos países, y cada vez descubría que la respuesta de la audiencia era la misma, donde fuese, siempre era algo muy poderoso. Y a menudo la gente venía después de la actuación para hablar de su propia historia, ahí entendí que era un tema universal, que todo el mundo tiene un padre y puede tener este miedo", explica.

La contundencia del texto resuena en pantalla por un planteamiento visual que enriquece la puesta en escena teatral. Zeller adopta el punto de vista del enfermo, un extraordinario Anthony Hopkins, para mostrar su progresivo deterioro. Una realidad confusa y deformada donde se repiten acciones y cambian personajes de tal forma que el espectador entra en su desorientación espacial y mental. "Mi deseo era poner al espectador en una posición activa, es decir, como si fuera él mismo, como si estuviera en la cabeza del protagonista, para que entrara en ese laberinto cuya salida y significado debe encontrar. No quería que fuera una película que solo cuenta una historia, quería que fuera una experiencia, que, en cierto sentido, el espectador jugase con la experiencia de la desorientación"

En ese rompecabezas le acompaña su hija, interpretada por Olivia Colman, que afronta entre la desesperación, la compasión y la impotencia su cuidado. "Hay siempre mucho sufrimiento, pero también mucha humanidad. Todos tenemos esa conexión humana con el otro. Cuando sentí esto en el teatro, me di cuenta de la oportunidad que había ahí para compartir algo poderoso en el cine. No hacemos películas para contar nuestra propia historia, creo que las hacemos para que cada persona pueda recibir emociones más amplias y nos devuelva esos lazos humanos con el otro".

El robo de un reloj, el cenar pollo o el recuerdo de otra hija funcionan como leitmoviv de un relato devastador y conmovedor de la demencia y sus consecuencias en el entorno. "La película es como una especie de rompecabezas, tú puedes jugar con todas las piezas para intentar que tenga sentido, pero nunca funcionará. No hay que entender, tienes que aceptar que nuestro cerebro renuncia a la esperanza de racionalizarlo todo. Y eso, nos permitirá entender la historia", zanja. Una inmersión realista que se apoya en el deliberado caos narrativo, un cuidado montaje y las magníficas interpretaciones de sus protagonistas. Hopkins y Colman apuntan al Óscar con una obra que sabe transmitir la crueldad de una enfermedad que va borrando poco a poco la identidad y la memoria.

Cielo de medianoche (George Clooney)

George Clooney dirige, produce y protagoniza 'Cielo de medianoche', un drama de ciencia ficción que estrena Netflix. Es la adaptación del guionista Mark L. Smith de Good Morning, Midnight, la novela postapocalíptica de Lily Brooks-Dalton, publicada en 2016. Se trata de la primera película en Netflix de Smokehouse Pictures, la oscarizada productora de películas como Argo o Los idus de marzo, fundada por el propio Clooney.

Cielo de medianoche toca temas que difieren mucho de los que usualmente abordan las películas sobre el espacio, centrándose especialmente en las relaciones humanas y en el medioambiente. "Hablé con Netflix de lo que quería hacer. Yo quería que surgiera una conversación sobre lo que somos capaces de hacer como personas", señala Clooney en un encuentro virtual con varios medios de comunicación, en el que recordó que justo cuando terminó el rodaje "llegó la pandemia del coronavirus".

"Hablamos mucho sobre la ira y el odio que estaba en nuestras vidas, en Estados Unidos, sobre todo; pero también en todo el mundo y de cómo durante 30 años estamos negando la ciencia y el cambio climático", explicaba el actor.

"Después de lo sucedido surge la necesidad de estar en casa y de estar cerca de las personas que más queremos y de comunicarnos con ellas", señala el cineasta que con Cielo de medianoche firma su séptimo largometraje como director, tras títulos como Suburbicon o Buenas noches, buena suerte. Es su primera película para una plataforma. "Los servicios de streaming sí producen el tipo de cine que yo hago y estoy encantado de que exista un sitio como Netflix para poder seguir haciéndolas", defendía el actor, en un momento complicado para el cine, acentuado por la pandemia y el cierre de salas de cine que ha hecho que los grandes estudios pospongan sus estrenos sin un horizonte claro o las lleven directamente a las plataformas.

En este sentido, Clooney quiere dejar claro que la película está rodada en 16 mm, pensada para la pantalla grande y que podrá verse en cines "durante un par de semanas" de forma exclusiva. Cielo de medianoche habla de cómo una misteriosa catástrofe mundial arrasa con la especie humana. Tras el desastre, un científico destinado en el Ártico trata de advertir a una astronauta que se halla en el espacio y a su tripulación de los peligros que entraña el regreso a la Tierra.

Un relato apocalíptico íntimo y cósmico que narra dos tramas en paralelo. En una, la del científico, que descubre a una niña en su refugio. Y otra, la del equipo de astronautas, atrapados en su confinamiento, ignoran lo que le ha ocurrido al planeta. "Cuando leí el guión, lo que me gustó es que habla del significado de la vida, de lo que valemos, pero al mismo tiempo las relaciones familiares son muy íntimas, sin dejar de lado la acción", decía la actriz Felicity Jones.

La actriz de La teoría del todo llamó al director y le advirtió de que estaba embarazada y le preguntó si eso iba a ser un problema. "Tuvimos una conversación muy abierta y transparente desde el principio", decía la actriz que reconocía que pensó que se acababa su participación en el proyecto. "George nunca descartó de entrada que yo siguiera en el papel, y tengo que decir que eso no es lo más habitual cuando una actriz se queda embarazada". Así que decidieron integrar el embarazo en la historia. "Fue algo muy instintivo", asegura Jones, "el cine es un proceso fluido y en evolución, no es algo estático y en particular con los actores, ¿porqué no usar todo lo que un actor trae consigo?, finalmente, haces que el resultado sea más auténtico"

Clooney ha elegido un reparto de actores diversos, donde destaca Damián Bachir. "La verdad es que no hay muchos guiones con un astronauta mexicano. Tengo mucha suerte y la diferencia es que tan solo cinco personas representan a la humanidad de distintas maneras", aseguró el actor mexicano durante el encuentro virtual. Los actores David Oyelowo, Kyle Chandler, Tiffany Boone, Ethan Peck, Sophie Rundle, Miriam Shor y Caoilinn Springall completan el reparto de la película.

Saint Maud (Rose Glass)

Tras unos años en los que el cine de terror se ha visto repleto de sagas y películas comerciales que se basaban casi más en el gore que en el tradicional terror contenido, últimamente parece que llega una nueva oleada de directores que han bebido de clásicos del cine de terror psicológico y que comienzan a ofrecernos obras que quedarán para la posteridad. Si ya aplaudimos a Ari Aster y toda la simbología que rodeaba a 'Midsommar' y 'Hereditary', ahora a los amantes del terror nos toca disfrutar de la inteligencia y elegancia de Rose Glass, una directora británica de treinta años que ya está conquistando a los cinéfilos con su primer largometraje.

'Saint Maud' narra la historia de una joven enfermera que, tras vivir un episodio traumático en su vida, se refugia en una religión recién descubierta y entabla una relación tan personal con Dios, que incluso llegará a creer que se le ha otorgado una misión en el mundo: salvar el alma de Amanda, una ex-bailarina enferma a la que comienza a cuidar. De este modo, conocemos la religión que entiende Maud, la que ella siente y percibe, la que nada en su mundo interior; hasta el punto de que todo lo que ocurre en su cabeza se convierte en el auténtico protagonista de la película y nos hace preguntarnos: ¿estamos viendo la realidad o estamos viendo lo que ocurre en la cabeza de Maud?

"Ella se crea su propia versión del cristianismo, algo que disfruté mucho escribiendo porque yo me he educado en una escuela católica y en mi familia he vivido esa parte más convencional de la religión, pero Maud es una persona que la descubre por sí misma y utiliza su fe como una forma de autoprotección y de darle un sentido a su vida sintiendo que está conectada a algo muy grande", declara Glass sobre esa base de religión que se percibe durante toda la trama. Dentro de ella, su objetivo se fija en "ver cómo de grande podía ser la diferencia entre lo que ocurre en nuestra cabeza y lo que ocurre alrededor de nosotros". Es por ello que, tras terminar sus estudios de cine en Reino Unido, la joven británica decidió emplear todo su tiempo a sacar adelante este proyecto que bebe de clásicos del terror como 'La semilla del diablo' de Roman Polanski o 'Persona' de Ingmar Bergman. "También he tenido de referencia 'Taxi Driver', de Scorsese, o 'The Devils', de Ken Russell. Es decir, no necesariamente son películas de miedo, pero son historias muy oscuras, claustrofóbicas, psicológicas...".

Con una estética basada en los años 70 y unos tonos pálidos y fríos, 'Saint Maud' consigue que el espectador se sienta incómodo durante la hora y media de metraje, esperando que ocurra algo, hilando escenas y tratando de entender. Glass consigue una participación activa del que observa, al que va dando pequeñas pistas de lo que ocurre hasta que llega el final y todo estalla. "A mí me encanta el gore y los jumpscares y todo ese tipo de cosas, y creo que el público sabría cómo soportarlos, pero creo que si los sabes aguantar hasta el final se consigue una tensión que resulta mucho más gratificante", confiesa la directora.

Un guion tan pensado necesita de alguien que lo defienda y le de sentido en pantalla, y Morfydd Clark no solo lo consigue, sino que sorprende con su control de las emociones que tan bien encaja con esa Maud ermitaña y sumida en sus pensamientos. "Empezamos a buscar a Maud como un año antes de empezar a rodar, y seguíamos y seguíamos haciendo audiciones y justo cuando ya comenzamos a entrar en pánico porque no encontrábamos a nadie apareció Morfydd. Es maravillosa, tiene mucha facilidad para pasar de una cosa a otra y tiene un rango de interpretación muy amplio", señala Glass sobre esta actriz sueca criada en Gales que ha encontrado en esta peculiar enfermera uno de sus primeros personajes principales en la gran pantalla.

Tras su paso por festivales como Sitges en los que ya se ganó el aplauso del público, 'Saint Maud' llega el 25 de diciembre a los cines españoles para hacernos partícipes de esta historia de terror psicológico con mucha presencia femenina en la que temas como la soledad o la libertad sexual también tienen cabida.

I Am Woman (Unjoo Moon)

Película australiana que cuenta la historia de la cantante y activista Helen Reddy, que se dio a conocer durante la década de los años 70 y se convirtió en un icono de feminismo.